WebThéâtre : Actualité critique des spectacles, théâtre, opéra, musique, danse - Paris et régions, Belgique, Espagne

Radio Minus ne tient pas toutes ses promesses

Martine Robert — 2026-11-16T09:18:00Z

Radio Minus-Turbo Minus. Un drôle de nom qui nous a intrigué. Nous avons voulu en savoir plus sur ce concert immersif où les trésors oubliés de la musique pour enfants deviennent la matière d'un DJ set pas tout à fait comme les autres. Entre remix, images génératives et jeux collectifs, Turbo Minus transforme la piste de danse en terrain d'exploration festif pour les chères têtes blondes qui s'en donnent à cœur joie.
Un patrimoine discographique méconnu
Depuis plus de dix ans, Radio Minus collectionne des milliers de disques destinés à l'enfance, venus du monde entier. Avec Turbo Minus, ce patrimoine méconnu devient un spectacle vivant où chansons rares, archives sonores, remix et créations visuelles dialoguent pour une expérience ludique. Porté par des images générées en direct et une mise en scène participative, le spectacle invite les petits à danser ensemble. « Défis chorégraphiques, jeux musicaux, confettis, ballons, rythment cette traversée de cinquante ans de culture musicale enfantine » promet l'affiche qui évoque « une fête inventive qui célèbre la curiosité, l'écoute ».
Peut encore mieux faire
Alors certes, l'ambiance est bien là mais l'expérience est un peu brouillonne - mélange de chenille qui redémarre, de tir de confettis en grande pompe, de lancer de ballons gonflables renvoyés par les parents et grands-parents autant que par leur progéniture. Bref ça part un peu dans tous les sens et ça se bouscule parfois, les 5 ans côtoyant les 12 ans sans distinction. Derrière le DJ, l'écran géant accapare trop l'attention des chérubins. Quitte à mettre un écran géant, pourquoi ne pas proposer aussi aux jeunes de petites chorégraphies élaborées à répéter tous ensemble, dans l'esprit de ce que fait la Philharmonie des enfants à La Villette ?
En revanche le moment où chaque enfant à son tour invente une chorégraphie que toute l'assemblée doit reprendre, est jubilatoire, et d'ailleurs les cadets ne s'en laissent pas compter par leurs aînés ! De même on a apprécié le yoga géant destiné à un retour au calme, avant un goûter bien mérité !

Les artistes, Sylvain Quément, fondateur de la webradio pour enfants Radio Minus, est aux manettes du djing, du remix et de la composition musicale. Yassine de Vos, auteur de bande-dessinée et illustrateur, est en charge du design graphique et de la vidéo.

Le 5 Décembre, Maison de la Culture d'Amiens ; le 13, Théâtre & Cinéma de Fontenay-le-Fleury (78) ; le 26 Février, Superforma - Scènes de Musiques actuelles Le Mans Allonnes (72) ; le 20 Avril, La Balise Saint-Hilaire-de-Riez (85) ; les 4-5 Mai Scènes d'Abbeville - Théâtre Municipal et Espace Culturel Saint-André (80) ; le 30 Juin, La Poudrière Belfort (90).

Mahler-Gatti, au-delà de l'inachèvement

Christian Wasselin — 2026-11-03T09:35:47Z

LES SYMPHONIES DE MAHLER FONT PARTIE depuis quelques décennies de l'ordinaire des programmes des concerts, même si la complexité et la durée de ces partitions sont parfois l'objet de quelques malentendus. Au sein de ce massif musical, toutefois, une partition est toujours abordée avec mille et une précautions : la Dixième Symphonie, que Mahler a laissée inachevée, en 1911, alors qu'il était en pleine force créatrice. On a tort en effet de voir et d'entendre dans ses dernières partitions (Le Chant de la terre, la Neuvième Symphonie, les fragments de la Dixième) le testament d'un compositeur au bord de la tombe. En 1911, Mahler sortait d'une période difficile, mais son avenir à New York était ouvert, il n'avait que cinquante ans, et c'est un malaise brutal survenu le 24 février de cette année-là, signal d'une endocardite bactérienne, qui lui fut fatal. Les antibiotiques, aujourd'hui, l'auraient soigné : on connaît un célèbre mahlérien, souffrant du même mal, ayant pratiqué la plongée sous-marine jusqu'à un âge avancé.

Mahler n'a pas entendu son Chant de la terre ni sa Neuvième Symphonie, qui furent créés à titre posthume sous la direction de Bruno Walter. Quant à sa Dixième, les deux mouvements achevés (le premier et le troisième) furent joués à Vienne, grâce à la mise au net effectuée par Berg et Křenek, le 12 octobre 1924. Personne ne se risqua ensuite à tenter d'achever les trois autres mouvements à partir des esquisses laissées par Mahler, jusqu'à ce que le musicologue anglais Deryck Cooke (1919-1976), en 1960, travaille sur ces esquisses afin de proposer une version exécutable au concert de la partition entière. Chose qui sera faite au Royal Albert Hall de Londres, sous la direction de Berthold Goldschmitt, le 13 août 1964, soit quatre mois avant le décès d'Alma Mahler, la veuve du compositeur. Après quoi Deryck Cooke continuera de réviser son travail jusqu'à sa propre mort.

L'éternelle question de l'achèvement

Fallait-il achever la Dixième de Mahler – et le Requiem de Mozart, et plus tard Turandot de Puccini, Lulu de Berg, Atlantida de Falla ? Faut-il s'emparer de ce que le destin a choisi de laisser en suspens ? À ces questions sans réponse on ajoutera ces phrases de Schönberg : « Il semble qu'il ne soit pas possible d'aller au-delà d'une Neuvième : celui qui s'y essaie doit quitter ce bas-monde. C'est comme si chaque Dixième Symphonie devait nous dispenser un message qu'il nous est interdit de recevoir, parce que nous ne sommes pas encore prêts. Ceux qui écrivent une Neuvième Symphonie se trouvent déjà trop près de l'Au-delà. [...] Peut-être les énigmes de ce monde seraient-elles résolues si l'un de ceux qui savent pouvait écrire une Dixième Symphonie, mais probablement cela ne doit pas être. »

On notera que Deryck Cooke n'était pas compositeur, contrairement à Alfano et Berio qui ont proposé leur conclusion de Turandot, contrairement à Friedrich Cerha et Eberhard Kloke qui ont achevé à leur manière Lulu. Il faudrait avoir sous les yeux l'état qui était celui de la partition de la Dixième Symphonie quand Mahler est mort, pour se rendre compte du travail (humble ? arbitraire ?) de Cooke. Car la Dixième, telle que vient de l'interpréter l'Orchestre de la Staatskapelle de Dresde, a tout d'une vaste partition aboutie dans le détail (les choix d'orchestration, les ruptures dynamiques, les stupéfiantes dissonances, l'enchevêtrement des thèmes), que ce soit dans le Purgatorio (troisième mouvement) d'une saisissante densité ou dans le second scherzo (quatrième mouvement) aux couleurs acides particulièrement éloquentes, l'un achevé par Mahler, l'autre complété par Cooke (dans le double sens, anglais et français, du mot). On sait aussi que l'Adagio initial et le Purgatorio, même achevés, auraient sans doute été modifiés par le compositeur lui-même et ne diront jamais leur dernier mot.

Le retour de Fafner

Oublions pour l'instant ce débat sans fin pour nous concentrer sur le concert que nous a offert la Staatskapelle de Dresde sous la direction de Daniele Gatti. Un concert magistral, fruit notamment d'une culture d'orchestre qui remonte à 1548, quand Maurice de Saxe eut l'idée de fonder un orchestre (mot anachronique) qui n'a bien sûr cessé de s'étoffer depuis lors. Weber, Wagner et Richard Strauss ont dirigé cette Staatskapelle avec fruit, Berlioz en a éprouvé les qualités en 1843 et 1854. Daniele Gatti, chef principal depuis la saison 2024-2025, sait de toute évidence en exalter les vertus, notamment cet admirable pupitre de cordes (les violons I sont ici face aux violons II) qui permet, grâce à la phrase confiée aux altos seuls au tout début de la symphonie, que la musique prenne son ineffable essor. On goûte parmi les bois la rondeur du basson solo (ou plutôt du fagott), les couleurs crues des clarinettes, mais les orchestres de Radio France ont dans leurs rangs, à cet égard, des instrumentistes dont le son et le phrasé, restent inimitables. Comparaison, bien sûr, n'est pas raison, et la couleur d'une formation orchestrale, on le sait, est fonction de la salle dans laquelle elle répète et se produit.

Il reste que cette interprétation de la Dixième Symphonie, par sa tension et son relief, est un grand moment, aboutissement d'une longue réflexion de la part de Daniele Gatti sur ce répertoire (on se souvient de son intégrale des symphonies de Mahler au Châtelet, avec l'Orchestre national de France, de 2009 à 2011). La justesse des tempos, l'ampleur de la dynamique, la manière dont chacun des pupitres respire et dialogue avec les autres, tout concourt à nous faire entendre ce qu'il y a de douloureux dans cette musique qui restera sans descendance, sauf peut-être à écouter du côté de Berg et de Chostakovitch. L'inspiration de Mahler était trop neuve, trop personnelle surtout, pour qu'elle pût faire école. S'il fallait citer un exemple, on évoquerait cette transition inouïe qui va du quatrième au dernier mouvement et qui, scandée par d'implacables coups de grosse caisse, fait entendre un tuba fafnérien, deux contrebassons, une harpe, des contrebasses, des cors, le tout malmené, disloqué, archaïque, jusqu'à ce que naisse le chant d'une flûte qui fait de nouveau s'envoler la musique et rutiler l'or sonore de la Staatskapelle.

Illustrations : Daniele Gatti et les musiciens de la Staatskapelle de Dresde (photo dr). Mahler montrant l'exemple, dessin d'Arpad Schmidhammer (dr).

Mahler : Symphonie n° 10 (achevée par Deryck Cooke). Sächsische Staatskapelle Dresden, dir. Daniele Gatti. Philharmonie de Paris, 2 novembre 2026.

Pocahontas, version Le Musical

Martine Robert — 2026-11-02T09:18:58Z

De plus en plus, les théâtres privés investissent le créneau du jeune public, car cela leur permet de mieux amortir leur salle. Et force est de constater qu'ils y mettent les moyens. c'est le cas une fois de plus de Pocahontas Le Musical au Théâtre Gaité Rive Gauche, avec pas moins de 5 comédiens et 1 musicien multiinstrumentiste sur scène. La scénographie est inventive avec notamment des vidéos immersives qui embarquent le jeune public, notamment avec une fuite en barque à travers les rapides palpitante.
Une version très différente de celle de Disney
Les chansons sont originales, rien à voir avec celles du film Disney, les chorégraphies également. Les costumes sont convaincants. Et le spectacle parvient à relater une histoire complexe pour les petits, tout en délivrant un message compréhensible pour eux autour du respect de la nature, de l'acceptation de la différence de l'autre, mais aussi des méfaits de la convoitise et de la soif de pouvoir.
Mission accomplie donc pour les frères Safa qui ont eu le courage eux aussi de s'attaquer à une légende racontée avec succès par Disney, tout en en faisant une version très différente.
Un bémol
Un bémol toutefois : ce spectacle tombe dans un travers désormais habituel, celui de proposer deux niveaux de lecture - un pour les enfants et un autre pour les parents - au risque de brouiller la compréhension des premiers, histoire d'offrir une bonne blague décalée aux seconds. Rien de dramatique mais cela fait qu'un spectacle préconisé à partir de 5 ans, touche mieux sa cible lorsque l'on en a déjà 7 ou 8.
Et un regret : l'héroïne Pocahontas, alias Meva Andria, force un peu sa voix et ne nous épargne pas quelques faussetés.
Pour autant personne ne s'ennuie et tout le monde sort incontestablement avec la banane, d'autant que les deux animateurs Cuisse de grenouille et Juste crapaud savent incontestablement interargir avec les enfants.

Qu'est-ce que le temps ? Livre XI de saint Augustin

Corinne Denailles — 2026-10-29T13:17:00Z

Qu'est-ce que le temps ?, voilà une question vertigineuse explorée par le philosophe et théologien Augustin d'Ippone au IVe siècle dans le livre XI des Confessions.
On fait l'expérience du temps comme monsieur Jourdain fait de la prose sans le savoir, à ceci près que l'on sait définir la prose. Comme nous tous, saint Augustin croit savoir ce qu'est le temps, tant cette notion est inhérente à nos vies, mais, dès qu'on lui demande de l'expliquer, alors il ne le sait plus. On éprouve le temps, mais on ne peut le définir, car ce serait être capable d'en exprimer ses limites, ses contours, or le temps n'en a pas, il échappe à l'analyse philosophique.
Nous savons bien que le présent n'existe pas puisque, aussitôt là, il disparaît dans le passé qui lui-même n'est plus, sinon dans notre mémoire. Passé, présent, futur n'existent que dans nos esprits à travers la mémoire (le passé), la perception (le présent) et l'attente (le futur). Pour Gaston Bachelard « Le paradoxe initial que met en avant saint Augustin est le fait de se demander comment le temps peut-il être alors que le passé n'est plus et le devenir n'est pas encore ». Saint Augustin envisage alors qu'on pourrait parler de trois présents, celui du passé dont on se souvient, celui du présent tel qu'on le perçoit et celui de l'avenir tel qu'on l'imagine.
Notre incapacité à concevoir le temps en soi explique notre impuissance à concevoir la notion d'éternité. À la question « que faisait Dieu avant la création ? », le philosophe répond qu'il n'y a pas d'avant puisque Dieu est de toute éternité. Impuissance joliment épinglée par Woody Allen quand il dit « L'éternité c'est long, surtout à la fin »
Le metteur en scène et philosophe Denis Guénoun réussit le pari audacieux de représenter un discours philosophico-théologique. Il fonde le spectacle sur le corps, celui de l'acteur et celui du texte, donnant ainsi corps à l'abstraction de la pensée à travers la rythmicité de la parole, les modulations de la voix et des mouvements, la musique qui a partie liée avec le temps, et les silences qui sont encore du temps.
Dans un espace vide et noir, le comédien fait vibrer la pensée de saint Augustin. Il s'adresse à Dieu, à lui-même, interpelle les spectateurs. Animé par une curiosité fervente, il interroge, s'emballe, s'emporte, se débat dans cette impossible réflexion qui pourrait rendre fou à force d'échapper à la raison. On parle souvent de l'intensité du regard du comédien tant il est vrai qu'il nous saisit et nous invite à cheminer à ses côtés dans cette aventure de l'esprit extraordinairement moderne.
Stanislas Roquette est un familier des spectacles seul en scène où il excelle. On se souvient de son interprétation fervente d'Ode maritime de Fernando Pessoa (webtheatre, 14 juillet 2017) . Actuellement en tournée, son spectacle insuline et magnolia (webtheatre 3 février 2023). Le comédien se fait souvent passeur de culture, éveilleur de conscience et de curiosité. Parions qu'à la sortie du spectacle, certains se précipiteront chez leur libraire pour lire les treize volumes des Confessions de saint Augustin.

Voir l'article de Gilles Costaz du 8 janvier 2014 à l'occasion des représentations données au théâtre de Chaillot. Le spectacle a été créé à Branques en 2010.

Qu'est-ce que le temps ? Livre XI des Confessions de Saint Augustin. Traduction Frédéric Boyer (P.O.L, 2008. Mise en scène Denis Guénoun. Avec Stanislas Roquette. Lumière, Geneviève Soubirou. Musique Franz Schubert, An Den Mond (D193). À Paris, au Poche-Montparnasse, mardi, mercredi et jeudi à 19h
www.theatredepoche-montparnasse.com

Photo Sébastien Toubon

Les beaux fruits de Jean-Bernard Pommier

Christian Wasselin — 2026-10-25T16:31:40Z

L'AUTOMNE EST LA SAISON IDÉALE pour se rendre à Béziers, plus précisément à Cazouls-les-Béziers, petite ville de l'Hérault traversée par l'Orb, où a lieu chaque année, depuis 2011, un festival de musique baptisé « Piano Prestige ». L'idée en est venue au pianiste et chef d'orchestre Jean-Bernard Pommier, qui a été séduit par la beauté de l'église Saint-Saturnin de Cazouls et l'intimité qu'elle permet, laquelle église accueille l'essentiel des concerts du festival. Jean-Bernard Pommier a par ailleurs trouvé en la Fondation René Portes, dont la mission est de restaurer des pianos historiques (trente-six l'ont été au cours des treize dernières années), un partenaire essentiel ; Christian Portes, à la tête de la fondation, envisage de créer à l'avenir un concours qui porterait le nom de Jean-Bernard Pommier.

Né en 1944 à Béziers, Jean-Bernard Pommier, s'est éteint le 23 avril dernier à Boujan-sur-Libron, à quelques kilomètres de Cazouls. C'est tout naturellement que la récente édition du festival lui était dédiée, et tout naturellement que le dernier des quatre concerts inscrits au programme a permis d'entendre le Requiem de Mozart, œuvre de deuil et de consolation, avec la participation de l'Ensemble international Musikè. Il faut rappeler ici que Jean-Bernard Pommier était aussi un pédagogue hors-pair : c'est ainsi que l'Ensemble international Musikè, qu'il a fondé, réunit trente-sept jeunes musiciens d'une vingtaine de nationalités, emmenés par Rodrigo Gomes, premier violon solo depuis les débuts du festival.

Venus de partout

Entièrement consacrée à Mozart, la soirée du 22 octobre avait commencé par le Troisième Concerto pour violon joué avec un mélange d'énergie et de tendresse par Olga Martinova, violoniste née à Léningrad (devenue Saint-Pétersbourg) qui a choisi l'Occident dès 1979 et est elle-même pédagogue au sein, notamment, de l'Académie Musikè. Pour interpréter le Requiem, le festival avait invité le Cor de cambra Amalthea, que dirige Marta Mármol García : une formation venue de Valence dont on a pu goûter aussi bien la vaillance que la délicatesse, et une manière de répondre aux nuances exigées par le chef Ibrahim Yazici, qui a su faire de l'orchestre et du chœur un seul et même ensemble d'une belle homogénéité.

Familier du festival, Ibrahim Yazici est lui aussi pianiste et chef d'orchestre. Dans la petite allocution qu'il a faite avant de diriger le Requiem, il s'est humblement situé dans la position de Süssmayer, l'élève et le disciple de Mozart, face à son maître Jean-Bernard Pommier ; et c'est très logiquement qu'il a choisi la version achevée par Süssmayer du Requiem, celle qu'on entend le plus régulièrement au fil des concerts. Formé au Conservatoire d'Ankara puis au Conservatoire de Perpignan, Ibrahim Yazici est aujourd'hui directeur musical de l'Opéra d'Istanbul où il dirigera notamment, en avril prochain, l'opéra Gilgamesh d'Ahmed Adnan Saygun. À l'occasion du Requiem de Cazouls-les-Béziers, il joue la carte de la tension musicale : les tempos sont soutenus, le « Dies irae » est enchaîné au « Kyrie », un silence en revanche est ménagé avant le « Tuba mirum » afin de laisser en suspens la sauvagerie qui précède. Ibrahim Yazici avait choisi d'installer les quatre solistes entre le chœur et l'orchestre et non pas à l'avant-scène : décision judicieuse en raison de l'acoustique étonnamment favorable et peu réverbérante de l'église Saint-Saturnin. On a ainsi pu goûter les qualités propres des quatre chanteurs venus eux aussi de tous les horizons : le tempérament lyrique et la voix fruitée d'Anne Rodier, le timbre sombre de Deniz Uzun, la clarté d'Alvaro Zambrano, la robustesse d'Ivan Zinoviev.

Son fondateur n'est plus, mais le festival imaginé par Jean-Bernard Pommier continue : le programme sera désormais conjointement imaginé par Olga Martinova et Ineke Hellingman (qui conjugue les qualités d'organisatrice, mais aussi de pianiste et chef d'orchestre), lesquelles nous convaincront une fois de plus que le monde entier, au mois d'octobre, a rendez-vous à Cazouls-les Béziers.

Illustrations : Jean-Bernard Pommier ; l'ensemble des exécutants à l'issue du Requiem de Mozart (photos dr)

Mozart : Concerto pour violon et orchestre n° 3 - Requiem. Olga Martinova, violon. Anne Rodier, soprano ; Deniz Uzun, mezzo-soprano ; Alvaro Zambrano, ténor ; Ivan Zinoviev, basse ; Cor de cambra Amalthea (dir. Marta Mármol García), Ensemble international Musikè, dir. Ibrahim Yazici. Cazouls-les-Béziers, église Saint-Saturnin, 22 octobre 2026.

Retour bienvenu de la symphonie dramatique de Berlioz à l'Orchestre de Paris

Pierre-René Serna — 2026-10-23T17:57:33Z

DANS LE CADRE DES 50 ANS DU CHŒUR de l'Orchestre de Paris (fondé en septembre 1976), Roméo et Juliette de Berlioz revient opportunément à la Philharmonie de Paris. L'œuvre appartient bien au répertoire du chœur et de son orchestre, donnée à différentes reprises précédemment (sous les directions de Daniel Barenboim à trois reprises, de Serge Baudo et de John Nelson). Le chœur et son orchestre s'étaient aussi distingués dans nombre d'autres pages de Berlioz également enregistrées (ainsi le Te Deum, le Requiem, La Damnation de Faust, l'opéra-comique Béatrice et Bénédict, L'Enfance du Christ, mais aussi des pièces chorales comme Tristia et Le Cinq mai). C'est donc un compositeur très à son office pour cette phalange.

Quelques mots sur Roméo et Juliette de Berlioz. Il s'agit d'une œuvre de concert d'une grande originalité, alliance inédite et quasiment jamais rééditée, du récit, ou du drame, et de l'abstraction, ou la symphonie, en sept mouvements d'une magnifique inspiration musicale (sur le sujet du drame de Shakespeare). Berlioz précise dans son Avant-propos destiné au public : « Ce n'est ni un opéra de concert, ni une cantate, mais une symphonie avec chœurs. » Créée en 1839 dans la salle du Conservatoire de Paris sous la direction du compositeur, elle connut d'emblée le succès pour ensuite se perpétuer et être portée par différents compositeurs suivants (dont Mahler). Wagner, qui assista à l'une des premières exécutions, s'était manifesté ébloui, au point qu'il qualifiera Berlioz de « rédempteur de notre monde de la musique » (que « nous devons honorer » ajoute-t-il), qu'il lui dédiera sa partition de Tristan et Isolde (« Au cher et grand auteur de Roméo et Juliette, l'auteur reconnaissant de Tristan et Iseult ») et réutilisera certains thèmes de la symphonie dans Tristan (dont la phase initiale du prélude reprise de la phrase lyrique de la « Scène d'amour » de Roméo).

Bien enlevé

Dans la vaste Salle Pierre Boulez de la Philharmonie de Paris, la symphonie attaque d'emblée ardemment, sous la direction vive de Klaus Mäkelä (actuel directeur musical de l'orchestre). Les mouvements, d'une texture tant variée, se succèdent sans faillir. L'orchestre (dans sa répartition circonstanciée d'époque XIXe siècle, premiers violons et seconds violons répartis de part et d'autre, avec contrebasses en second plan) déploie une sonorité adaptée, des moments d'intensité aux passages en délicatesses (bien que parfois quelque peu imprécis). Le chœur intervient tout à fait en phase, distribué en petit effectif puis en large ensemble. Quant aux solistes vocaux, eux aussi se révèlent bien en situation. Si ce n'est que Jean Teitgen, basse de juste et bon renom, souffre d'une méforme vocale due apparemment à une laryngite, qui lui vaut un manque d'éclat dans son grand aria final assorti de quelques transpositions (au point que pour le second concert donné le lendemain, nous avons été informés qu'il a été remplacé par Christopher Maltman de meilleur aloi semble-t-il). Alors que la mezzo Marianne Crebassa distille ses strophes initiales d'une belle voix pleine et d'une parfaite diction. Il en est de même du solide ténor Julien Henric pour son subtil « Scherzetto de la Reine Mab ». Et le tout s'ensuit bien enlevé. Dans l'immense auditorium, un public au comble (des 2 400 places) et très attentif, réservera au finale un triomphe enthousiaste des mieux mérités.

Illustration : photo William Beaucardet

Hector Berlioz : Roméo et Juliette. Avec Marianne Crebassa (mezzo), Julien Henric (ténor) et Jean Teitgen (basse). Chœur et Orchestre de Paris, dir. Klaus Mäkelä.
Salle Pierre Boulez de la Philharmonie de Paris, 21 octobre 2026.

Ruy Blas de Victor Hugo, mise en scène Julie Duclos, avec la troupe de la Comédie-Française.

Véronique Hotte — 2026-10-19T12:49:56Z

A la cour d'Espagne, sous le règne finissant de Charles II en 1699, Don Salluste oblige son valet à se faire passer pour un noble. Cet enfant du peuple se hisse jusqu'aux sphères élevées du pouvoir et traduit une grandeur d'homme d'Etat/Royaume insoupçonnée, ce qui suscite l'admiration de la Reine, dont il est épris. Or, Ruy Blas, instrument d'une vengeance privée, est voué à une chute inéluctable qui signe en même temps sa valeur morale existentielle. Le temps de la pièce correspond particulièrement, sous l'oeil aiguisé de la metteuse en scène Julie Duclos, à celui de notre époque.

On a beaucoup commenté la force de cette pièce de jeunesse Ruy Blas (1838) de Victor Hugo - un mélange de pathétique et de comédie pour un duel entre héros à caractère (Ruy Blas) et traître distingué (Don Salluste), avec l'amour inédit d'un valet pour une reine, lors d'une intrigue subtile tant philosophique que dramatique et humaine, dans une variété mêlée de tons et de situations.

Sont au rendez-vous d'abord le goût de l'intrigue chez Salluste, noble perverti qui ne pense qu'à ses biens et non au Royaume - Thierry Hancisse a la rage égoïste et la verve attendue d'un grand seigneur méchant homme. Succèdent l'élégie et l'idylle quand la Reine d'Espagne - l'élégante et sensible Morgane Real - privilégie ses nobles attentions humanistes. Puis, la politique et la satire révèlent Ruy Blas à ses projets sociaux - Stéphane Varupenne est un beau rêveur attachant, à la fois humble, rigoureux et tenace. Ensuite, s'invite la fantaisie avec Don César de Bazan, aristocrate ruiné qui n'a cure des jeux de pouvoir et cultive une vie libre - Sébastien Pouderoux, guitariste, chanteur et provocateur est facétieux. L'enchanteur et bouffon Don César de Bazan et le poète réformateur et amant Ruy Blas composeraient le portrait dédoublé de Victor Hugo. A la fin, la crise dramatique éclate entre Don Salluste et Ruy Blas, le premier étant Le Tigre vengeur qui abuse de son pouvoir et le second Le Lion justicier ; or, Ruy Blas a aussi la capacité de représenter tour à tour les deux bêtes. C'est un drame un peu « conte de fées » : le héros est « un coeur de prince sous une livrée », alors que le Reine porte un coeur de femme malgré la couronne. » Et n'oublions pas la dimension comique de Laurent Stocker en Don Guritan, amoureux fou et transi, à la gestuelle inventive, ridicule et grotesque.

En même temps, Hugo a l'art de brosser le tableau du peuple qui s'éveille : « … on voit remuer dans l'ombre quelque chose de grand, de sombre et d'inconnu. C'est le peuple qui a l'avenir mais pas le présent ; le peuple orphelin, pauvre, intelligent et fort ; placé très bas et aspirant très haut… » ( Victor Hugo, J-B Barrère, Connaissance des Lettres, Hatier.)

Or, la première de Ruy Blas dans la Salle Richelieu au parquet rénové de La Comédie-Française, fait entendre dans sa belle résonance le fameux monologue de Ruy Blas face aux ministres, nobles féodaux ou intrigants, courtisans frivoles et cruels qui se partagent les bénéfices du Royaume. On vient d'entendre dans la salle du gouvernement le Marquis de Santa Cruz (Serge Bagdassarian percutant), qui aimerait s'octroyer le Groënland : rires du public qui reconnaît immédiatement des méthodes hasardeuses trumpiennes.

Ce discours à la scène 2 de l'Acte III avec le fameux « Bon appétit ! Messieurs ! » qui fustige l'égoïsme des grands, inaptes à concevoir l'intérêt public, est remplacé par une lettre ouverte de Victor Hugo datant de 1876. Le morceau emblématique a le bonheur de réactualiser encore la situation de nos temps immédiats, une prise de parole qui résonne avec notre monde. Ce discours historique dénonce l'aveuglement des nations face aux guerres en cours et l'urgence à l'union des Etats, pour fonder les Nations unies d'Europe, raconte Julie Duclos, soit un hommage à l'homme politique, à sa longévité et à son engagement. Stéphane Varupenne dans le rôle-titre est une figure romanesque idéalisée qui convainc par sa détermination : le public le récompense d'ailleurs à cet endroit d'une salve fournie d'applaudissements.

Mise en valeur par la scénographie épurée - bois et béton - de Matthieu Sampeur et les costumes de ville années 1960/70 - distinction et raffinement - de Caroline Tavernier, la fête scénique de la Troupe de la Comédie-Française bat son plein avec Sylvia Bergé, Alain Lenglet, Bakary Sangaré, Gilles David, Danièle Lebrun, Noam Morgensztern, Yoann Gasiorowski, Sefa Yeboah, Jordan Rezgui, Charlie Fabert, Myrthe Vermeulen.

Quand on quitte la Salle Richelieu en ce samedi 17 octobre 2026 à 23h30 après les applaudissements, dans un enthousiasme heureux, on est tout étonnée de se retrouver, faute de métro, dans la rue de Rivoli, marchant entre touristes, promeneurs, badauds, casseurs et/ou pilleurs, et compagnies de CRS. Qu'auraient dit Ruy Blas et Victor Hugo ? Des paroles bruissantes.

Ruy Blas de Victor Hugo, mise en scène Julie Duclos, avec la troupe de la Comédie-Française Thierry Hancisse, Sylvia Bergé, Alain Lenglet, Laurent Stocker, Serge Bagdassarian, Bakary Sangaré, Gilles David, Stéphane Varupenne, Sébastien Pouderoux, Danièle Lebrun, Noam Morgensztern, Yoann Gasiorowski, Sefa Yeboah, Jordan Rezgui, Morgane Real, Charlie Fabert, Myrthe Vermeulen, et Catherine Andréa, Philippe Bertrand, Catherine Pepinster, Marta Zollet. Scénographie Matthieu Sampeur, costumes Caroline Tavernier, lumière Dominique Bruguière, son Samuel Chabert. Du 15 octobre 2026 au 27 janvier 2027 du lundi au dimanche à 14h ou à 20h30, en alternance, Salle Richelieu de La Comédie Française, Place Colette 75001 - Paris.

Crédit photo : Christophe Raynaud de Lage, coll. Comédie-Française.

Trio doux-dingue

Noël Tinazzi — 2026-10-17T15:18:12Z

DANSE HIP HOP, CIRQUE, MIME, BURLESQUE, théâtre de l'absurde… tous ces genres se mélangent joyeusement dans le dernier spectacle donné pour une quinzaine à la Scala par Kader Attou. Le danseur et chorégraphe, créateur de la compagnie Accrorap, installée à la Friche Belle de Mai à Marseille, milite de longue date pour un hip hop d'auteur avec des grandes formations. Il revient cette fois à une forme plus légère : avec trois danseurs pour cette pièce d'un autre type, drôle, poétique et très pensée (voire cérébrale) sous ses allures improvisées. Comme son titre l'indique, Un petit pas de trop, est toujours au-delà d'une limite.

Limite de quoi, c'est toute la question ? Première hypothèse possible : à la limite de l'équilibre. En effet de toutes les saynètes qui s'égrènent en chapelet avec fluidité pendant un peu plus d'une heure, bon nombre consistent pour l'un des trois interprètes en jeu (ou les trois ensemble) à éviter de justesse de tomber. La scène de la Scala étant divisée en deux plateaux avec mezzanine, sans rampe ni garde-fou bien sûr, les occasions de chutes dans l'escalier ou dans le vide ne manquent pas.

Deuxième hypothèse : à la limite du réel. La pièce s'ouvre (et se referme) sur un écrivain qui au fond de son sous-sol sombre couvre d'écritures un vieux livre en se servant de sa plus belle plume à l'ancienne, terminée par un beau panache blanc. Il écrit quelque chose en marmonnant des propos incompréhensibles. De quoi s'agit-il ? Mystère. Des bribes de musiques classiques, d'airs d'opéra se font entendre ouvrant une piste : il s'agit de l'évocation de souvenirs ou du récit d'un songe. Et l'écrivain de se mettre en branle remontant par l'escalier de la mezzanine et celui de la mémoire et en chutant à chaque pas. On aurait donc affaire au « murmure des songes » pour reprendre le titre d'une de ses créations précédentes.

Mais à l'autre bout du spectacle, la séquence finale vient éclairer le propos d'une autre manière : la plume se met à échapper aux mains de l'écrivain et à courir toute seule à son gré dans tous les sens de l'espace. Au passage, on remarque l'habilité de Kader Attou à incarner les métaphores de la mémoire qui se remonte et de la plume qui court toute seule.

Troisième et dernière hypothèse dans cette liste non exhaustive : à la limite de la cohésion entre les trois acteurs-danseurs-acrobates. Certes le spectacle requiert une synchronisation parfaite des faits et gestes de chacun, qu'il s'agisse d'entrer/sortir simultanément des nombreuses portes et fenêtres factices, certaines de guingois comme dans les tableaux surréalistes qui peuplent la scène ou de monter/descendre les escaliers. Il n'en reste pas moins que chacun des trois le fait à sa manière propre, avec sa singularité : très concentré pour Kader Attou, lunaire ou décontracté pour les deux autres.

Les références aux pièces de Pina Bausch et au cinéma muet abondent, avec des citations et des films de Chaplin (Le Dictateur notamment) ou des séquences de Slapstick frénétiques. Le déjà-vu, c'est un peu le point faible de ce spectacle qui par ailleurs en comporte beaucoup d'originaux et de forts.

Un petit pas de trop. Direction artistique et chorégraphique Kader Attou. Interprétation : Régis Truchy, Mansour Abdessadok, Kader Attou. Création musicale et sonore : Régis Baillet (Diaphane). Lumières : Fabrice Crouzet. Scénographie : Olivier Borne. Paris, La Scala, jusqu'au 1er novembre.
Tournée : 20 novembre / Maisons-Alfort, Les Théâtres (94) ; 25 novembre / Bagneux, Théâtre Victor Hugo (92) ; 11 et 12 décembre / Alès, Scène nationale (30) ; 2027 : 14 et 15 janvier / Belgique, Charleroi, Palais des Beaux-Arts ; 18 janvier / Miramas, Tournée Mosaïque Arsud (13) ; 29 janvier/ Castres, Théâtre municipal (81) ; 4 et 5 février / La Trinité, La Stella (06).

Murakami sied à Decouflé

Noël Tinazzi — 2026-10-17T15:18:07Z

PORTER À LA SCÈNE UN ROMAN DE MURAKAMI est une vraie gageure. A fortiori quand il s'agit de l'œuvre la plus énigmatique du génial auteur japonais, où le fantastique toujours inattendu, tantôt drôle tantôt angoissant voire gore, surgit au détour de chaque phrase. Philippe Decouflé, dont on connaît l'attirance pour le Japon, s'y est attelé à sa manière gourmande et joyeuse, friande d'univers parallèles et de mélange des genres entre danse, théâtre, music-hall, opéra, mime, comédie musicale, kabuki... Le tout dans une esthétique manga qui lui convient à merveille.

Le spectacle que Decouflé qualifie « d'opéra sans parole, de comédie musicale sans chansons » déroule sur deux heures trente (dont un entracte) les tribulations d'un « héros » qu'on croit – mais on n'en est pas sûr – pris entre deux mondes parallèles, entre la vie réelle et ses propres rêves. Le chorégraphe restitue la dualité du roman foisonnant de 700 pages, dont le titre, traduit de manière simpliste par La Fin des temps (Le Seuil, 1992), est en réalité La Fin du monde et le Pays des merveilles sans pitié.

En l'occurrence, le directeur de la Compagnie DCA, qui a acquis une renommée internationale avec son défilé au Bicentenaire de la Révolution française (1989) et les cérémonies d'ouverture et de clôture des Jeux olympiques d'hiver de 1992 à Albertville, a eu les honneurs d'une commande d'une agence gouvernementale japonaise. La pièce, qui a été créée au Tokyo Metropolitan Theatre en janvier dernier est passée ensuite par Londres avant d'arriver en France pour six représentations seulement au Théâtre du Châtelet.

Ping-pong verbal

Pourquoi un tel passage éclair pour un spectacle d'une pareille envergure, disposant de moyens considérables et mobilisant une troupe fournie d'acteurs, de danseurs et de musiciens, tous japonais ? Sans parler de l'équipe technique à la manœuvre pour les décors, costumes, effets spéciaux, vidéos… C'est que la transposition à la scène française et à l'esprit cartésien national s'avère plutôt problématique. L'écueil principal étant, comme on pouvait s'y attendre, la langue. Certes, le texte japonais très prolixe de Murakami est comme il se doit traduit dans les surtitres au-dessus et sur les côtés de la scène, mais les échanges entre les innombrables personnages se succèdent à un rythme infernal comme des parties de ping-pong verbal obligeant à une gymnastique visuelle haut/bas très vite épuisante.

On renonce donc rapidement à la compréhension d'une intrigue (si intrigue il y a) qui de toute manière échappe à la rationalité. Et on s'abandonne au plaisir du spectacle, même si on déplore un certain statisme de la part des acteurs et des numéros dansés trop rares et souvent plaqués entre des épisodes du récit sans que le rapport apparaisse évident.

En revanche, on salue l'habilité de Decouflé à mettre en scène la dualité des deux mondes en question dans le roman. Avec à chaque fois un code graphique spécifique et une palette chromatique appropriée. On passe ainsi avec fluidité d'une mystérieuse cité peuplée de de licornes et de personnages sans ombre, cité close par de hautes murailles (amovibles en tissu) à une technopole futuriste, inquiétante et prémonitoire (qui ressemble furieusement à un Tokyo dystopique). D'apparence radicalement différents, les deux mondes finissent toutefois par présenter des correspondances. Par exemple : un musical fameux fredonné des deux côtés, « As time goes by » qui fonctionne comme un charme au sens littéral du terme.

Mais c'est dans l'incarnation et la caractérisation des personnages que Decouflé se montre le plus inspiré. À commencer par les licornes, sorte de Bluebell Girls montées sur échasses qui ondulent à la manière d'autruches échappées de Star Wars. D'autres figures aussi insolites qu'hilarantes, reviennent en boucle au fil du spectacle, tels les monstres du sous-sol, bien nommés les « ténébrides », sortes de porcs-épics sur deux pattes agressifs et survoltés. Et aussi Pink, petite cochonne nymphomane toute de rose vêtue, ou encore les deux gangsters, le maigre et le gros encastrés l'un dans l'autre, et ainsi de suite à l'avenant…

Photos : Thomas Amouroux

La Fin des temps. Avec Tatsuya Fujiwara, Kanojo Misato Morita, Shuntaro Miyao, Miu Tomita, Kiita Komagine, Ryunosuke Shimamura, Haru Fujita, Shinya Matsuda, Narushi Ikeda. Danseurs : Moeko Uematsu, Yuuka Okamoto, Mizuki Tomioka, Junpei Hamada, Erika Hara, Miki Furusawa, Nana Horikawa, Reo Yamada, Yuya Yoshizaki, Rikubouz. Musiciens (en alternance) : Umitaro Abe, Mayu Gonto. Mise en scène et chorégraphie : Philippe Decouflé ; adaptation : Ako Takahashi ; musique : Umitaro Abe ; sound design : Masahiro Inoue ; vscénographie : K Ishihara ; lumières : Yukiko Yoshimoto ; idéo Taiki Ueda ; costumes : Ayako Maeda ; coiffures et maquillages : Naoki Kamada.
Paris, Théâtre du Châtelet. Représentations suivantes : 18, 20, 21 octobre 2026.

Un petit pas de trop, direction artistique et chorégraphique Kader Attou.

Louis Juzot — 2026-10-16T12:43:01Z

Kader Attou explore avec justesse la relation étroite qui lie deux langages du corps : la danse et le burlesque, Il parle d'une « porosité, (où) le corps devient le théâtre d'une dualité fascinante : l'élégance y côtoie la dérision, la souplesse y rencontre la maladresse assumée. »

On pourrait ajouter dans son petit pas de trop à la danse et au burlesque, les arts du cirque, très présents dans le spectacle et qui marquèrent ses débuts de créateur. Les objets sont rares mais signifiants, valise et ballons. Le décor se compose d'une table et trois chaises à cour, et au centre d'une structure étagée avec deux escaliers, un jeu de portes en bas et en haut. Le tout agrémenté d'un réverbère et d'un lustre. Autant d'éléments d'ambiance cinématographique, années vingt ou trente du siècle passé.

Un terrain de jeu périlleux pour les trois gaillards qui l'investissent. Régis Truchy, Mansour Abdessadok et Kader Attou reprennent les figures de la triade magique Harold Lloyd, Buster Keaton, Charlie Chaplin. Leurs costumes dépareillés, chapeaux datés, rappellent ces silhouettes que tout un chacun a gardé en mémoire, des films vus dans l'enfance. Les sonorités de Régis Baillet, zébrures classiques ou électro percussives , sont surtout dominées par un accordéon populaire et nostalgique .

Régis Truchy et Mansour Abdessadok sont des références du hip hop et le démontrent brillamment dans des solos ou des duos qui s'enchainent en exprimant ce petit pas de trop à la limite du déséquilibre, façon de revisiter aussi la pantomime. Kader Attou explore les figures du cirque du vide, du grand saut et de la peur de la chute . Numéro de voltige comique et acrobaties entre trois chaises et un lustre.

La plume d'oie est la synecdoque de la représentation, virevoltante , belle et aux usages multiples, elle peut être une arme pour l'écrivain, l'apanage des spectacles de cabaret, aérienne elle peut piquer au vif.

Les réminiscences des grands classiques du burlesque apparaissent en filigrane : course poursuite et jeu de portes pour les cavalcades de Buster Keaton, montée vers les cintres pour la fameuse scène où Harold LLyod est pendu à l'horloge d'un gratte ciel. Charlie Chaplin est omniprésent avec la valise de l'émigrant ou un ballon géant, tel celui du Dictateur jouant avec un globe terrestre .

Les glissades et les empoignades suggèrent des scènes emblématiques et répétitives de ces classiques mais sublimés par les arabesques des danseurs ou leur gestuelle mécanique, une gamme complète qui revisite l'art de la chute, du déséquilibre, du rétablissement périlleux.

Les trois compères se retrouvent autour de la table pour un ultime échange silencieux, où l'exclusion du tiers se fait par la mimique et la posture comme une mise en abyme d' un ressort plus intime du burlesque, le rejet du héros par la masse, les gens « normaux » .
Cette poésie existentielle de la solitude imprègne Un petit pas de trop.

Un petit pas de trop, direction artistique et chorégraphique Kader Attou, création musicale et sonore Régis Baillet (Diaphane), lumières Fabrice Crouzet, scénographie Olivier Borne Interprétation Régis Truchy, Mansour Abdessadok, Kader Attou. Du 14 octobre au 1er novembre, mercredi au samedi 19h, dimanche 15h, La Scala Paris, 13 Boulevard de Strasbourg, 75010, Paris, Tél 40 03 44 30, lascala-paris.fr 20 novembre 2026 / Maisons-Alfort, Les Théâtres (94), 25 novembre / Bagneux, Théâtre Victor Hugo (92), 11, 12 décembre / Alès, Scène NaKonale (30), 14, 15 janvier 2027/ Belgique, Charleroi, Palais des Beaux-Arts, 18 janvier / Miramas, Tournée Mosaïque Arsud (13), 29 janvier/ Castres, Théâtre Municipal (81), 4, 5 février / La Trinité, La Stella (06) .